Borne Art Barcelona

2005-04-16T18:11:00.000+01:00

Catalogue nº 105

2005-04-16T18:07:00.000+01:00

Catalogue nº 110 (Detail)

2005-04-15T18:31:00.000+01:00

Catalogue nº 104

2005-04-14T18:00:00.000+01:00

Catalogue nº 101

2005-04-13T19:00:00.000+01:00

Catalogue nº 120

2005-04-12T18:00:00.000+01:00

Catalogue nº 106

2005-04-11T17:57:00.000+01:00

Catalogue nº 103

2005-04-10T17:19:00.000+01:00

Catalogue nº 102

2005-04-09T18:33:00.000+01:00

Catalogue nº 111

2005-03-17T22:33:00.000Z

RICARDO BENITO HERRANZ

La pintura y la escultura de Ricardo Benito Herranz es un secreto aún no desvelado para el autor ni para el espectador, su contemplación genera un sentimiento de asombro y un hormigueo mental que, sin duda, no deja indiferente y que siempre despierta la curiosidad.

El arte es para él un replanteamiento continuo de formas, estilos, temas y relieves, en el marco de un proceso de búsqueda desesperada de la libertad.

En esta nueva serie de cuadros de gran formato, con una pincelada semi-automática, que descompone las formas a la manera cubista, reinterpreta la figura humana y el erotismo haciendo énfasis en lo espontáneo y lo intuitivo.

Color, profundidad, sombras, luces, iluminación, texturas que crean nuevas imágenes, el artista “no busca, ... emerge el cuadro”, teniendo esto mucho que ver con su faceta de escultor.

Aún partiendo siempre de un referente figurativo, tiende a ofrecer una imagen abstracta, con manchas de color poco identificables en código figurativo

En cuanto a los soportes que utiliza, en un ejercicio de creatividad, le gusta reciclar, aprovechar lo viejo, lo deteriorado, donde según sus palabras “siempre se puede encontrar algo verdadero”.

Cuerpos pintados en las más atrevidas posturas que, sin embargo, resultan casi siempre naturales, puesto que, mediante un complejo juego de relieves, les imprime un toque orgánico, con reminiscencias geológicas y terrenales.

El artista no huye del riesgo en sus composiciones, desarrolladas a partir de ángulos y líneas en cualquier dirección.

Su actividad principal actualmente es la investigación de nuevas técnicas pictóricas (óleo, cera, acrílico, materia,..) y de soportes (lienzo, papel, madera, cartón..).

Se clasifica a si mismo como un pintor ecléctico y considera la creatividad como una manifestación de la generosidad

TRAYECTORIA DEL ARTISTA

Ricardo Benito Herranz, nacido en Torrelaguna en 1954, se interesa por la pintura desde la temprana edad de 12 años.

Aprende la técnica de los maestros copiando a: Velazquez, Goya, Rubens, El Bosco, Bermer, etc. Realiza cuadros por encargo de: Degas, Millet, Monet. y otros.

Participa en 1º Concurso Nacional de Pintura y son seleccionados dos de sus cuadros para la exposición de Inauguración del Palacio de Cristal del Retiro ( rehabilitación ) 1973 en Madrid, junto a los pintores más renombrados del momento: Eduardo Naranjo, Antonio López, Antonio Tápies, Zobel, etc.

Cursa estudios de Sociología en la Universidad Complutense Licenciándose en Sociología General, 1ª promoción, y sigue pintando y haciendo escultura. Participa en certámenes y exposiciones individuales y colectivas en las dos disciplinas a lo largo de los años .

Su obra está en algunas de las mejores colecciones particulares de España y en el extranjero (Copenhague, Bruselas y Ámsterdam).

Simultanea su actividad artística con la docencia durante 20 años.

Realiza cursos de técnica a lo largo de los años en estudios de artistas amigos y en escuelas oficiales.

Actualmente reside y trabaja en Barcelona donde comparte un estudio de arte con otros artistas de vanguardia en Pueblo Nuevo.

2005-02-17T19:59:00.000Z

Anotaciones sobre el Arte, la Razón y El tiempo.

El Arte perdura por ser una representación del espíritu, de la consciencia y de la vida, es decir, todo ello que representa la humanidad sobre la tierra.

El Arte nos consuela y nos redime, nos permite tocar el alma de las cosas. El alma que late acompasadamente con nuestros sentidos, y que está hecha (según aseguraba Shakespeare) de ese mismo material noble pero fundible del que están hechos nuestros sueños.

El Arte es lo único que queda cuando la eternidad se hunde.

En este presente en el que todos vamos viviendo, un artista puede ennoblecer con su firma aquello que de otra manera tal vez no sería nada.

Vivimos en una época en la que el artista puede modelar el aire y convertirlo en un humo espeso, hacer que dibuje claroscuros en el cielo de nuestra existencia etérea, momentánea y provisional.

El Arte es una idea enmarcada con palabras, las palabras que lo avalan y le confieren un sentido.

2005-02-17T00:59:00.000Z

"Hay dos clases de artistas. Unos traen respuestas y otros preguntas.
Hay obras que esperan largo tiempo antes de que se las pueda comprender,
pues traen respuestas a preguntas que aún no han sido formuladas".

Estas palabras que André Gide escuchara a Oscar Wilde, cuando éste se había convertido ya en el melancólico proscrito Sebastián Melmoth.

2005-01-10T20:09:00.000Z

El Arte por el Arte.

Magnificado y modificado por la televisión, el Arte se vende por un segundo de gloria, una gloria efímera a mil imágenes por segundo. Es el signo de nuestros tiempos. El Arte por el Arte, la Gloria por la Gloria, el Poder por el Poder. Pero nadie tiene el poder (todavía) de prohibir los sueños.

Somos lo que somos porque hemos comido de los frutos del Arte y de la Ciencia, pero los artistas han dormido durante demasiado tiempo sin que nadie les molestara, disfrutando entre sábanas de raso las mieles de las vanguardias. Ahora que empiezan a despertar, podrán ver que el dinosaurio continúa en el mismo lugar.

El Arte surge de la nada, como un suspiro, la creación artística es siempre una opción estética, la forma sin complejos, que supera definitivamente los límites de la razón, creando en el vacío nuevas formas y apelando directamente a los sentidos.

2005-01-09T20:15:00.000Z

Atracción por el Arte.

Los humanos nacemos, vivimos y morimos igual que los insectos.

El arte puede construir límites, pasarelas y puentes giratorios en el desierto de la vida.

Es un concepto desestructurado, un camino sin salida que nos atrae fatalmente porque al final brilla la luz resplandeciente y cálida de la vida.

2005-01-08T14:13:00.000Z

STANLEY BROUWN PROXIMAMENTE EN EL MACBA

22/06/2005 - 25/09/2005 MACBA

El artista conceptual Stanley Brouwn –de la generación de Daniel Buren o Michael Asher, entre otros- ha desarrollado a lo largo de los últimos 40 años una obra basada en la acción del movimiento y de la medición de distancias. Brouwn, que no deja que se publiquen sus datos personales ni fotografías suyas, sustituyó su biografía por las medidas de su cuerpo, las “medidas brouwn”, como el "pie brouwn" (26 cm), el "brazo brouwn" (47 cm) y el paso (variable); el artista las utiliza como medidas alternativas a las que se utilizan habitualmente.

Sus obras, que eluden una definición estilística, provienen directamente de experiencias de la vida cotidiana e intentan crear una conciencia de movimiento en el mundo. Parte de la idea de que, en nuestro entorno, la importancia de las distancias y de sus mediciones directas está en declive, a causa de las posibilidades de desplazamiento que nos ofrecen medios como el avión, al alcance de casi todos. En oposición a este desarrollo, Brouwn nos confronta con una yuxtaposición de medidas utilizadas en la vida cotidiana, como el sistema métrico (que él denomina "medidas vivas") con medidas antiguas y obsoletas ("medidas muertas"), o con las citadas "medidas brouwn", radicalizando así la definición de obra de arte y la relación entre obra, espacio y vida cotidiana.

Andar, como condición humana elemental, adquiere una posición central en la obra de Brouwn como unidad de medición de distancias de manera más inmediata. Trabajando con "medidas brouwn" y medidas estandardizadas, el artista relaciona la necesidad de normas y convenciones con la experiencia individual. La obra de Brouwn es minimalista, pero potencialmente sus conceptos radicales tienen la capacidad de activar al espacio cuando se comparan con las medidas físicas de las salas de exposiciones.

La exposición Stanley Brouwn. Obras 1960-2004 es la primera de este artista en España, e incluirá una amplia selección de las obras que ha realizado en los últimos 45 años. Posteriormente viajará al Kunstmuseum Wolfsburg (Alemania).

2005-01-07T23:06:00.000Z

EXPOSICIÓN: JORDI MOLLÁ : 20 Giocondas.
Fecha : Hasta el 23-07

Son 20 Giocondas, 20 obras gráficas, sencillas, abstractas, en absoluto parecidas a su musa, el cuadro más famoso de la Historia del Arte, y una instalación audiovisual, con las que el polifacético Jordi Mollá pelea contra el Arte, no para debatir lo que pertenece o no a esta disciplina, sino para sustentar que el equívoco o la falta de concordancia con las leyes naturales puede ser, por qué no, el principio de una gran obra.

Si en anteriores exposiciones Jordi Mollá se centraba en el odio y en la voracidad del hombre y las plasmaba en cada una de sus obras, exhibiendo la Santa Inquisición o el holocausto nazi como ejemplos de violencia, ahora es lo que no es, pero precisamente podría, la temática de sus 20 Giocondas. El arte es una fe que pocos entienden y, sin embargo, son muchos los que que creen creer en ella. Desconocimiento, falta de asimilación y pobredumbre frente a educación. Quizá el sentido común deba llegar a su fin para acabar con un discurso coherente. Así, puede, algo vuelva a empezar.

Dirección : Carrer d' Aragó, 379
Barcelona.

2004-12-11T23:53:00.000Z

Consejo de las Artes de Cataluña - CCAC

Jose maría Bricall presentó su propuesta para el futuro consejo de la Cultura y las Artes de Cataluña CCAC, que estaría formado por 17 miembros. Según Bricall, debería ser un ente autónomo dependiente de la Consejería de Cultura. Caterina Mieras, la consejera de Cultura, adelantó que su propósito es transformar el documento en ley durante este año con un amplio consenso. Las funciones del Consejo, según Bricall, son informar al estado de la cultura en Cataluña, hacer de mediador entre los agentes culturales y la administración, elaborar un programa de cultura, emitir dictámenes por encargo del gobierno o por iniciativa propia y asignar subvenciones y ayudas.

2004-12-10T20:40:00.000Z

El Arte de Coleccionar.

Entre debates y polémicas, el gran misterio es saber qué obras y qué artistas perdurarán en el recuerdo con el paso del tiempo.

Recientemente, la IVAM de Valencia ha editado un libro que nos puede ayudar a conocer el arte desde el punto de vista de un coleccionista.

En este libro, se compilan las transcripciones de diversas conferencias de:

Jacobo Fitz James Stuart de la Casa de Alba, coleccionista de renombre que cuenta con una colección de más de 500 años que puede ser contemplada en el Palacio de Liria de Madrid.

La directora de la Fundación Lázaro Galdiano, Letizia Arbeteta. La Fundación cuenta con una colección de obras de Velázquez, Goya y El Greco entre otros pintores emblemáticos.

El Director de la Fundación Telefónica, Fernando Villalonga.

Coleccionistas privados como Jesús A. Martínez Guerricabeitia, un empresario valenciano con una de las colecciones más importantes de arte comprometido con la política y la sociedad.

Enrique Ordóñez, uno de los primeros coleccionistas españoles que apostaron por la fotografía.

El Publicista y coleccionista catalán Lluís Bassat, quien afirmó en una de estas conferencias que "Ahora comenzamos un nuevo siglo, con nuevos artistas, con nuevas técnicas, con otras maneras de ver el arte. Yo espero que, tambien en el Siglo XXI demostremos que podemos seguir ocupando un lugar privilegiado en el panorama mundial.

2004-11-10T22:57:00.000Z

INART - Feria de Arte Catalana - Junio 2005

INART continúa con sus trabajos de preparación de la feria de arte de Gerona, que será un espacio de diálogo y de conexión entre los profesionales del mundo del arte de Cataluña y de todo el mundo. Las galerías que han presentado sus proyectos están pendientes de la decisión del comité de selección, que deberá escoger las salas que podrán participar en este evento, salas que representan todas las tendencias contemporáneas de este sector, y que incluyen galerías afiliadas al Gremio de Galerías de Arte de Cataluña y a sus diferentes asociaciones, y también galerías que no están adscritas a gremio alguno. La decisión del comité de selección, se dará a conocer la primera quincena de abril, después de la reunión del jurado, formado por Lanfranco Bombelli, Maria Luisa Borrás y Arnau Puig.

Por otro lado, el espacio, con propuestas institucionales llamado La Plataforma, contará con la presencia ya confirmada de la Fundación Caixa de Girona y Diputación de Girona.

Están teniendo lugar en estos momentos las negociaciones para que diferentes fundaciones, clubs y asociaciones que tienen relación con el mundo de las artes participen en esta iniciativa. El comité organizador, también está en contacto con instituciones, entidades bancarias y empresas particulares que patrocinarán diferentes iniciativas de la feria.

Otra de las secciones que estarán a disposición del público será un espacio destinado a la promoción de artistas emergentes. Este rincón, acogerá a aquellos que han sido premiados en los concursos más destacados de nuestro territorio, tales como el Premio Sala Parés - Banc de Sabadell, el Premio Anquin´s de Reus, la Bienal de Arte Contemporáneo Catalán del Ayuntamiento de Sant Cugat y la Galería Canals, el Premio de Pintura Vila Casas, el Premio de Pintura Jaurena Arte, el Premio Honda – La Garriga, el Premio Ricard Camí – Caixa de Terrasa.
Por otro lado, la asociación de Amigos de INART, dirigida por Maria Antonia Morera Ráfols, está desarrollando una tarea de difusión de la feria, mientras que tambien están preparando intervenciones escultóricas y las ponencias del simposium que llevará el título "Arte y Globalización, Arte e Identidad".

2004-04-02T21:04:00.000+01:00

El Arte y El Poder.

Excelente libro de Pierre Bourdieu y Hans Haacke - Ediciones de 1984, 124 Páginas.

Este libro plantea en forma de ensayo una reflexión sobre si es posible asegurar la independencia de los intelectuales y artistas respecto a las intrusiones del Estado.

Dos de los sociólogos más reconocidos del siglo XX debaten cuál debería de ser la norma en todos los intercambios intelectuales, reflexiones con un lenguaje claro y comprensible.

2003-05-13T17:12:00.000+01:00

A partir de los sesenta, el exhibicionismo estaba a la orden del día en el panorama artístico de vanguardia.

Yoko Ono protagonizó en la sala de conciertos Yamaichi de Kyoto la performancie Cut Piece, una acción bastante insípida pero que tuvo cierta repercusión, ya que la artista japonesa ha sido siempre muy hábil para manejar a los media a su favor.

Ataviada con un elegante traje de fiesta, Yoko Ono pidió al público que le cortase el vestido a golpe de tijera, mientras permanecía sentada en una actitud contemplativa. Como testimonio de su hazaña, repitió en Nueva York y en Londres, quedan algunas fotos del evento, en las que se ve a la artista quedándose poco a poco en ropa interior.

Con un tono más humorístico, el francés Ben Vautier, decidió exponerse a sí mismo en el escaparate de la Gallery One de Londres en 1965, cuando le invitaron a participar en el Festival de los Misfits (de los Inadaptados). Para el artista, afiliado a los nouveaux réalistes y a fluxus, aquella intervención, titulada Living sculpture, era una forma fácil y barata de hacerse publicidad. De hecho, su carrera ha sido una suerte de cruzada anti-arte que él mismo manifestaba mediante unas pancartas escritas con tiza blanca sobre carteles negros en los que anunciaba sentencias como éstas: “El arte es inútil, nada de arte” “Abajo el Arte”

La afirmación de Ben Vautier “yo soy arte” no era ningún disparate, porque ya entonces estaba en plena sintonía con los planteamientos del alemán Joseph Beuys, quien afirmó rotundamente que “Cada Hombre es Un Artista. Incluso ésta es mi contribución a la historia del arte”. Una frase que ha hecho historia, porque han sido muchos, quizá demasiados los que se la han tomado en serio.

2003-05-13T14:38:00.000+01:00

LA MODA DEL ARTE

A principios de los 80 la pintura empezó a promoverse a fuerza de marketing, era una pintura expresionista, exacerbada, brutal, agresiva, inspirada en fuentes diversas como el comic, el grafismo publicitario, el arte primitivo, el Renacimiento, los cuadros de El Greco, Kirchner, Chagall o Kokoschka.

Ante la imposibilidad de encontrar una innovación formal, los artistas se apoderaron del pasado con una libertad casi descarada.

Al mismo tiempo se desentendían del estilo internacional de la abstracción minimal y objetiva, para volver a un lenguaje mucho más figurativo, partiendo a menudo de su propia subjetividad.

LA TRANSVANGUARDIA

La transvanguardia, impulsada por el teórico y crítico de arte italiano Achille Bonito Oliva, parte de un análisis del contexto cultural, social, económico y moral de la sociedad en que vivimos. Desaparecidos los modelos a los que el artista podía acogerse, deja de existir una perspectiva unívoca, así como una dinámica de la historia con sentido único.

Transvanguardia significa arte de transición, y por tanto utiliza todas las tradiciones y toda la historia sin ninguna excepción. Con estos argumentos, el habilísimo Achille Bonito Oliva lanzó a la Bienal de Venecia en 1980 a jóvenes pintores como Sandro Chia (1946), Francesco Clemente (1952), Mimmo Paladino (1947), Enzo Cucchi (1950), Incola de Maria (1954, Nino Longobardi (1953) y Ernesto Tatafiore (1943)

De un día para otro, algunos de ellos, como Clemente, Cucchi y Chia se convirtieron en estrellas internacionales, cuya presencia pasó a ser requerida en los principales eventos artísticos organizados a ambos lados del Atlántico. En Enero de 1980 Sandro Chia realizó su primera exposición en Nueva York y vendió todas sus obras. Las galerías de Maniatan, que en los últimos años de la década de los setenta habían caído en cierto letargo por culpa del exceso de obras minimalistas y conceptuales, volvieron a animarse con la aportación esta vez de los artistas europeos. Parecía como si América volviera a descubrir Europa.

Lo mismo ocurrió con los Neoexpresionistas alemanes, que irrumpieron con fuerza a finales de los ochenta, aunque en el caso de los máximos representantes, Georg Baselitz 81938), Anselm Kiefer (1945), Jörg Immendorff (1945), Markus Lüperz (1941) y AR Penck (1938) se trataba de artistas que se dedicaban a la pintura desde la década de los sesenta, pero que, al no estar en sintonía con el espíritu del tiempo, no habían conseguido aún llamar la atención de los galeristas. Lograron entonces su revancha porque su pintura vehemente, de un cromatismo violento invade de forma repentina los principales museos de Europa y Estados Unidos.

El neoexpresionismo, tal y como su nombre indica, se inspira en la virulencia de los expresionistas alemanes de principios del siglo XX, los famosos artistas de Die Brücke y Der Blaue Reiter, como Ernst Ludwig Kirchner, franz Marc y sus colegas austríacos Egon Schiele y Oscar Kokoschka.

Todos estos creadores fueron los pioneros de una pintura nueva, exuberante, que ofrecía una visión despiadada de la realidad de su tiempo, constituyendo entonces para el público un auténtico revulsivo. Los neoexpresionistas, o “nuevos salvajes”, como se les ha llamado también, se limitaron a retomar esa visión dramática y existencial de la vida del hombre, sin añadir a su lenguaje grandes novedades. Sin embargo, y como explica uno de sus principales mentores, Cristos M Joachimides, en el catálogo de la muestra “Origen y visión” organizada en España por el ministerio de Cultura y “La Caixa” el año 1984, estos pintores determinaron el modelo de una visión del arte estrechamente relacionada con las fuentes de la tradición cultural alemana: un sentimiento del mundo, marcado por el romanticismo y por una visión del entorno estática y expresiva.

GEORG BASELITZ

Georg Baselitz se ha hecho famoso pintando personajes al revés, es decir, cabeza abajo. El mismo artista justificó esta opción diciendo que “cuando uno deja de chuparse el dedo y de inventarse temas, y quiere seguir pintando a pesar de todo, la posibilidad más fácil es invertir los temas. La jerarquía según la cual el cielo está arriba y la tierra abajo no deja de ser una convención a la que todos estamos acostumbrados, aunque no es absolutamente necesario crederla” Sus cuadros, realizados con pinceladas gruesas y agresivas, tienen ese aspecto desaliñado y voluntariamente descuidado que caracterizará buena parte de la producción de estos “nuevos salvajes”

AR PENCK

Lo mismo podríamos decir de AR Penck, que se dio a conocer por una mitología personal e insólita, basada en una caligrafía primitiva de formas simplificadas, semejante a los jeroglíficos egipcios.

ANSELM KIEFER

Pero la figura más poderosa del arte alemán de los años ochenta es sin duda la del pintor Anselm Kiefer, con sus inmensos cuadros cargados de plomo, de paja o de materia lacerada, en los que ofrece visiones alucinantes y apocalípticas de los grandes temas del universo humano.

Cuando el MOMA de Nueva York le dedicó en 1988 una importante retrospectiva, Robert Hughes reconoció en la revista Time que era “el mejor pintor de su generación”, y el veterano crítico John Russell aseguró en el New York Times que Kiefer “era el artista europeo más importante de los últimos veinticinco años”

Mientras tanto, algunos detractores – pocos – le han reprochado el regodearse con las heridas y los recuerdos dolorosos de la historia de Alemania y con los mitos y las leyendas de la decadencia humana.

El éxito comercial de estos artistas, procedentes en su mayoría de Berlín o de Dusseldorf, significó una importante recuperación de la identidad del arte alemán, iniciada por Joseph Beuys. Su proyección internacional se vio respaldada desde sus principios por una serie de importantes muestras, que a principios de los años ochenta apoyaron claramente el retorno de la pintura. En enero de 1981 la Royal Academy of Arts de Londres organizó la colectiva “A new Spirit in painting” que ofrecía un panorama de la nueva pintura que estaba a punto de triunfar, y durante el verano de ese mismo año tuvo lugar en Alemania la Westkunst de Colonia, una manifestación de gran envergadura que reunió un millar de obras de doscientos cincuenta artistas, presentando un amplio panorama del arte occidental realizado entre 1939 y 1980. Dirigida por el especialista alemán Kasper Koening, esta muestra antológica contribuyó de forma decisiva a modificar las relaciones entre el arte, las instituciones, el público y el mercado. La sección Heute (Hoy) integraa por obras de treinta y siete jóvenes creadores, sirvió de plataforma a artistas como Kiefer, Julian Schnabel, David Salle, Sandro Chiay Enzo Cucchi, entre otros, que encontraron alli un contexto favorable a su puesta en órbita para convertirse en las estrellas de la década de los ochenta.

BAD PAINTING

En 1982, es decir, un año después, tuvo lugar la Documenta 7 de Kassel que, bajo la batuta de Rudi Fuchs, no hizo sino corroborar y apoyar claramente el renacimiento de la pintura, con la participación de los neoexpresionistas, los artistas de la transvanguardia, los neo-fauves y otros adeptos de la llamada bad painting.

MIQUEL BARCELÓ

Entre los artistas invitados estaba el jovencísimo Miquel Barceló (Felanitx, 1957), que hacía su entrada en la escena internacional con sus cuadros llenos de perros salvajes y animales antropomórficos pintados con colores chillones de una manera voluntariamente desaliñada y agresiva. Cuadros como Mapa de carn 1982 – ahora perteneciente a la Colección de la Fundación La Caixa en Barcelona – o Brega de cans 1982 – sintetizan el carácter primitivo de su primera etapa pictórica. Aunque había pasado por un breve período conceptual, Barceló venía del mundo del rock y del cómic, es decir, de esa cultura popular que muchos jóvenes pintores de su generación plasmaron en una figuración colorista y bastante desenfadada, puesta de moda a principios de los ochenta. “Pertenezco a una generación que, por el momento, ha producido pocos poetas, pocos pintores, muchos guitarristas pop y, sobre todo, muchísimos yonquis” dijo en aquel entonces el artista mallorquín.